A era do corta e cola

As primeiras composições de música concreta e de música electrónica foram realizadas em estúdios de rádio, porque só aí existia o equipamento técnico adequado. Os centros pioneiros foram a Radiodiffusion Française (Paris) e a Radiodifusão de Colónia. Apesar das polémicas e rivalidades iniciais entre as correntes de Colónia e Paris, os dois conceitos acabaram por confluir.

Na rádio de Paris destacam-se duas figuras tutelares: Pierre Schaeffer e Pierre Henry, co-autores de várias obras divulgadas via rádio. Em 1949-1950 Pierre Schaeffer compôs a Symphonie pour un Homme Seul, uma das primeiras obras de música concreta a serem apresentadas ao público. A sinfonia foi montada em fita magnética, com sons colectados de discos.

Em Colónia, Karlheinz Stockhausen seguia outra via: em vez de transformar sons previamente gravados, serviu-se de aparelhos capazes de sintetizarem electronicamente ondas acústicas complexas e produzirem sequências sonoras. Era seu objectivo a construção de sons «puros», sem ter de depender dos sons «reais». A primeira tentativa de Stockhausen foi Studie I (1953). A experiência fracassou, por falta de meios técnicos que permitissem apurar o timbre dos sons sintetizados, mas outras se seguiram com sucesso.

Entretanto, do outro lado do Atlântico, Raymond Scott, com muito mais humor, menos especulações filosóficas e bastante fortuna pessoal, entretinha-se a construir dezenas de sintetizadores de toda a espécie, com os quais compôs algumas das peças sonoras mais divertidas do século XX.

O tempo e o debate acabariam por demonstrar que a teoria dos sons «puros» (aqueles obtidos por meio de sintetizadores) não tinha razão de ser. Foi um debate crucial para toda a arte audiovisual da segunda metade do século XX, mas demasiado extenso para ser aqui esmiuçado.

Em 1956, com Gesang der Jünling (O Canto dos Adolescentes), Stockhausen fez um compromisso entre as correntes de Paris e Colónia, conjugando na mesma obra sons concretos e sintetizados.

Depois surgiria a corrente de Milão, onde o debate sobre a nova música electrónica, acrescido à polémica Paris-Colónia, levaria à criação do Estúdio de Fonologia Musical – acrescentando novas dimensões à utilização da voz humana.

A partir daí, voz humana, sons ambientes, instrumentos musicais e sons sintetizados passaram a conviver amigavelmente na composição sonora. Qualquer rapper do século XXI, mesmo que desconheça por inteiro a história da música e da sonoplastia, ao misturar voz, samples, baixo eléctrico e caixa de ritmos está a praticar uma das expressões mais avançadas e sofisticadas da história das artes.

Não era regra, antes do início do século XX, escrever uma partitura musical em que cada nota ou elemento não fosse precisamente determinada e nomeada. A música contemporânea, pelo contrário, transpôs para a arte o princípio da indeterminação, produzindo algumas obras em que a partitura é constituída não por átomos de música bem determinados, mas sim por nuvens de probabilidade, dentro das quais cada músico executante se pode movimentar com relativa autonomia.

Edgar Varése acabaria por resumir esta tendência numa fórmula simples: a música é «som organizado», não pela determinação espectral de cada som, mas sim pela selecção, arrumação e distribuição dos sons no tempo.